Развлечения: Екатеринбургский театр оперы и балета

Последняя опера последнего классика итальянской оперы, «Турандот» осталась недописанной. По черновикам Пуччини ее в разное время завершали разные композиторы. Урал Опера обращается к первому по времени, традиционному финалу авторства Франко Альфано — счастливому финалу, в котором неприступная китайская принцесса отвечает на поцелуй Неизвестного принца, претендента на ее руку, отгадавшего три ее загадки и таким образом избежавшего казни. Дебютирующий в Екатеринбурге французский режиссер Жан-Ромен Весперини и художник Дирк Хофакер (он работал над постановкой «Евгения Онегина») обещают показать на сцене сказочный средневековый Китай во всем восточном великолепии и богатстве. Режиссер объясняет свой метод: «Меня не интересуют интеллектуальные концепции, а вот с партитурой и либретто я работаю, и это такая редкость по нынешним временам». Исполняется на итальянском языке с титрами на русском языке

Комико-фантастические «Черевички» Чайковский называл своей лучшей оперой. Потомки нашли ее несмешной и громоздкой, что вряд ли справедливо. По форме это grand opèra – с большими ансамблями и хорами, симфоническими антрактами и обязательным балетом в предпоследнем акте. Композитор не стремится никого рассмешить, главными для него, как и в других операх, остаются лирика и патетика, – но комическое неожиданно проявляется и мерцает на стыках между ними. В Урал Опере «Черевички» не исполнялись больше 70 лет. Новая постановка, адресованная зрителям всех возрастов, – оперный дебют режиссера Бориса Павловича. Он увидел Диканьку как далекую окраину империи, где царит вечная ночь. Чтобы наступило утро и закончился холод, кузнецу и художнику Вакуле нужно пройти испытание и отправиться в пекло, откуда в Диканьку явился Бес. Где находится это пекло, петербуржец Павлович знает так же твердо, как Чайковский и Гоголь. По слову режиссера, музыка Чайковского «несет в себе то ценное, что не нужно редактировать, а только заново услышать. Визуальный код обновляется быстрее, чем аудиальный, музыка больше оторвана от бытового контекста. Поэтому декорации и костюмы нашего спектакля — то, что делают сегодняшние люди». либретто Яков Полонский по повести Николая Гоголя Ночь перед Рождеством

«Лебединое озеро» — самый популярный и часто исполняемый балет в мире, и трудно поверить, что на премьере в 1877 году он провалился. Это именно тот случай, когда несчастье помогло: о первом балете Чайковского вспомнили в связи со смертью композитора, когда Мариинский театр начал готовил мемориальный спектакль. Тогда, в феврале 1894-го, хореограф Лев Иванов показал Большое па лебедей. Через год в дело включился Мариус Петипа: по его просьбе композитор и дирижер Риккардо Дриго заново скомпоновал партитуру, включив в нее другие сочинения Чайковского, а сам Петипа сочинил картины придворных празднеств, в том числе «черное па-де-де», куда включил и новейший трюк того времени — 32 фуэте. В 1930-е Агриппина Ваганова, возобновляя балет в Ленинграде, придумала знаменитую лебединую позировку с закрытой рукой-крылом. В 1950 году Константин Сергеев, многолетний исполнитель партии принца Зигфрида, сделал новую редакцию — она и сегодня идет на сцене Мариинского театра и считается канонической. Именно эта версия украшает репертуар Урал Балета. Почтенное произведение петербургские постановщики представили, по слову критика, «радикально старомодно» — вернули ему былую основательность и лоск «большого стиля» во всем, от помпезного оформления до постановки рук у кордебалета лебедей.

Среди многочисленных сочинений Ефрема Подгайца для детей «Дюймовочка» — самое популярное. Для постановки в Урал Опере композитор сделал новую редакцию, дописав сцены для детского хора и заменив разговорные фрагменты мелодекламацией. Режиссер Надежда Столбова: «Это история о современной девочке, рассказанная на языке, понятном и детям, и подросткам. В отличие от сказки Андерсена, героиню спектакля зовут Аня, и она борется за себя и свою жизнь. В финале у Дюймовочки получается идеальная семья: муж — Принц, Оле Лукойе — папа, Ласточка — мама. Это важный уровень нашей истории — транслировать понимание семьи, какой она может быть».

Балет в трех частях Из десяти сказок Шарля Перро выбраны четыре: «Кот в сапогах», «Красная Шапочка», «Синяя борода» и «Мальчик-с-пальчик». Вместе с прологом и эпилогом они образуют цельный спектакль — о том, что сказки бывают добрыми и жестокими; что наружность красавиц и чудовищ бывает обманчива; что все люди разные, и никакая внешность не лишает права радоваться, горевать и любить. «Сказки Перро» адресованы семейной аудитории и входят в репертуар как продолжение «Конька-горбунка». Балет создается по заказу Урал Оперы. Музыка Настасьи Хрущёвой создана в рамках Программы творческих заказов Союза композиторов России «Ноты и квоты» при финансовой поддержке Министерства культуры Российской Федерации.

Филипп Гласс — суперзвезда американской музыки, самый известный в мире композитор-минималист. Его музыку хорошо знают любители кино («Иллюзионист», «Шоу Трумана», «Хранители») и поклонники рок-музыки (он работал с Миком Джаггером и Aphex Twin, повлиял на стиль Брайана Ино и Дэвида Боуи, а позже написал симфонии на темы их песен), однако Гласс — еще и автор почти трех десятков опер. В оперный спектакль он внес звуковой драйв рок-музыки, вернул ему монументальную зрелищность и масштаб. Именно «Сатьяграха» в Екатеринбурге стала первой оперой Гласса, поставленной в России. Текст «Сатьяграхи» написан на санскрите, а название переводится как «упорство в истине»: так Махатма Ганди, борец за независимость Индии, назвал в конце XIX века свою тактику ненасильственного сопротивления колонизаторам. В «Сатьяграхе» отсутствует привычный для оперного спектакля последовательный сюжет, она развивается как череда впечатлений и символических эпизодов, связанных с личностью Ганди. Каждый из трех актов посвящен исторической фигуре, воплотившей идею сатьяграхи — Льву Толстому, Рабиндранату Тагору, Мартину Лютеру Кингу. Режиссер Тадеуш Штрассбергер поместил действие в условное, почти сказочное пространство и не стал разделять театр на сцену и зал, окружив зрителей шествующим по партеру хором. Его «Сатьяграха» — опера-медитация, где зрителю предлагается забыть бытовые неурядицы и привычные представления об оперной музыке и следовать за бесконечно повторяющимися музыкальными фигурами. В череде этих повторений самый малый ритмический или гармонический сдвиг становятся большим событием, и спустя три часа возникает ощущение, что окружающий мир и сам зритель стали немного другими. премьера — 16 сентября 2014 исполняется на санскрите с русскими титрами Опера в трех действиях Филипа Гласса Возрастная категория - 12+

Начиная работу над «Евгением Онегиным», Чайковский понимал, что в пределах одной оперы невозможно развернуть «энциклопедию русской жизни», как называют роман в стихах Пушкина, и передать всю соль пушкинских лирических отступлений. Он создал почти камерное сочинение, соразмерное слушателю — сосредоточился на интимной стороне повествования, в каждом из трех актов поочередно показав крупным планом Татьяну, Ленского и Онегина. Чайковский не желал оставлять зрителя на почтительной дистанции от сцены, как это часто бывает в оперном театре: отказался от стилизаций в духе пушкинского времени в пользу современного музыкального языка, первое исполнение в 1879 году поручил консерваторским студентам, то есть ровесникам персонажей, — и жанр своего «Евгения Онегина» определил как лирические сцены, отказавшись от слова «опера». Авторы постановки в Урал Опере следовали авторской идее — не отгораживаться от зрителя «подлинным» историческим антуражем, приблизить действие к публике, среди которой, возможно, прямо сейчас сидят такие же молодые и неопытные Татьяны и Ленские. Точное время и место действия спектакля назвать затруднительно. Они не столь важны. Постановщики высветили то общечеловеческое, что оставалось важным и неизменным в пушкинскую эпоху, во времена Чайковского и сегодня — трепет первой любви и разочарование в ней, власть прекрасных иллюзий и власть привычки, что «свыше нам дана».

ПРЕМЬЕРА!! Ефрем Подгайц Опера в одиннадцать шахматных ходов с одним антрактом Урал Опера вновь обращается к творчеству Ефрема Подгайца. Его «Алиса в Зазеркалье» создана более 40 лет назад по сказке Льюиса Кэрролла (либретто Владимира Орла). Композитор определил ее как «оперу в одиннадцать шахматных ходов» и адресовал не только детской, но и взрослой аудитории: «Я писал большую оперу… и она может быть слушаема и теми, и теми. Никаких специальных усекновений в стиле, в конструкции, в сложности не было». Постановщики Урал Оперы создают спектакль, который будет интересен зрителям всех возрастов. Вслед за Кэрролом и Подгайцем, они воплотят причудливый мир Зазеркалья. Сцена уподобится огромной шахматной доске, на которой разыграется битва между белыми фигурами (миром детства) и черными (миром взрослых). Здесь не будет отрицательных персонажей, и даже Черная королева окажется не врагом, а наставником, частью непознанного взрослого мира. В этой игре Алиса не следует общим правилам, а старается познать себя и свои цели, погружаясь в свое подсознание и сталкиваясь с уродливыми страхами. Она понимает, что должна стать Белой королевой, завершает путешествие по Зазеркалью и возвращается в реальный мир уже готовой к взрослой жизни.

При слове «богема» скорее можно представить высший артистический свет, собирающийся в салонах и ведущий красивую жизнь. В XIX веке этим французским словом стали называть экстравагантных и беспечных бедняков из числа актеров, художников, поэтов. В широкий обиход слово, которое можно перевести как «цыганщина», ввел Анри Мюрже — талантливый литератор, сам принадлежавший этому кругу. С его легкой руки жизнь богемы стала восприниматься как нечто крайне притягательное. Вторым, кто обеспечил богеме столь завидную репутацию, стал Джакомо Пуччини. Спустя полвека после выхода романа Мюрже «Сцены из жизни богемы», композитор использовал его сюжет для нового сочинения. Сегодня «Богема» Пуччини входит в число популярнейших в мире опер. Однако итальянская опера обычно подразумевает бурные страсти, сильные характеры, драматические столкновения на фоне крупных исторических событий. В «Богеме» же, хоть она и написана итальянцем, ничего этого нет: она выглядит камерной и тихой, как мансарда на Монмартре, где обитают герои «Богемы». Это, возможно, самая интимная итальянская опера. Таков и спектакль в Урал Опере. Тихую историю любви на фоне шумного праздника режиссер спектакля, петербуржец Александр Лебедев, представил в традиционном ключе: перед нами «Богема», какой ее могли видеть и Пуччини, и сами беспечные обитатели Латинского квартала в конце XIX века. Художник Игорь Иванов оглядывался на эскизы к первой постановке, что состоялась в Турине в 1896 году, — и уподобил екатеринбургскую «Богему» старинной рождественской открытке. Опера в четырех действиях Исполняется на итальянском языке с титрами на русском языке

Балет о плохо присмотренной дочери кочует по мировым сценам два с лишним столетия: когда в Бордо готовилась премьера «Тщетной предосторожности», в Париже собирались штурмовать Бастилию. С тех пор много раз менялись музыка и хореография, но неизменными оставались сюжет из жизни французских селян, а также веселый и немного пикантный дух комедии — редкой и всегда желанной гостьи на балетной сцене. Балетмейстер Сергей Вихарев по нотации восстановил хореографию петербургской постановки 1885 года, но, поскольку балет был записан неполно, недостающие номера сочинил сам в стиле позднего XIX века. Вместе с куратором постановки Павлом Гершензоном он предпринял неожиданный ход: прологом спектакля стал инсценированный балетный урок — эпизод «Школа танца» из старинного балета Августа Бурнонвиля «Консерватория», — а сам спектакль выглядит так, если бы в 1885­-м Дирекция Императорских театров заказала оформление Винсенту Ван Гогу. Это вполне могло случиться: ровно в тот момент, когда Ван Гог рисовал в Арле ставшие знаменитыми стога, Мариус Петипа и Лев Иванов в Петербурге сочиняли новую версию «Тщетной».

Написанная на исходе XIX века и вобравшая в себя множество источников, в том числе знаменитую сказку Андерсена, «Русалка» подвела итог романтического столетия, поведав обо всех его надеждах и утраченных иллюзиях. Сюжет оперы, он же центральный сюжет эпохи романтизма — столкновение фантастического и реального, погоня за идеалом и разочарование в нем: достичь цельности мироощущения невозможно, но всегда остается надежда на лучшее. Дворжак и в партитуре «Русалки», богатой и многокрасочной, подытожил XIX век, соединив находки позднего романтизма (прежде всего, отдав дань своему кумиру Рихарду Вагнеру) и чешский фольклор. Он заглянул и немного вперед, предприняв радикальный для своего времени драматургический ход: героиня оперы обретает человеческую душу в обмен на голос — почти на целый акт она вынуждена замолчать. Оценить этот прием режиссеры смогли уже в ХХ веке. В Екатеринбурге самую известную чешскую оперу представляет молодая команда постановщиков из Праги. Режиссер Томаш Пилар рассказывал: «С одной стороны мы делаем сказку, понятную даже детям, а с другой — должны выстроить серьезную сюжетную линию, наполнив ее страстями и глубоким смыслом, чтобы она трогала до глубины души и взрослых зрителей». Спектакль таким и получился: дети завороженно следят за играми русалок в сказочном озере и побегом конфет с дворцовой кухни, — а взрослые следят за историей большой и невозможной любви. Исполняется на чешском языке с титрами на русском языке

Кастаньеты, гитары, тамбурины, плащи, веера, клинки; болеро, сегидилья, фанданго; парад тореадоров на барселонской площади, сон в виде Большого классического па, финальный залп тридцати двух фуэте — и рыцарь с тазом на голове, который путешествует из картины в картину. Так «Дон Кихот» выглядит уже полтора века: хореограф Мариус Петипа сочинил это испанское каприччио с музыкой Людвига Минкуса в 1869 году. 31 год спустя Александр Горский поставил нового «Дон Кихота», взяв сценарий Петипа и музыку Минкуса. Спектакль оформили Константин Коровин и Александр Головин: впервые в балете живописное движение цвета было неразрывно связано с движением танцовщиков. Для русского балета наступила новая эпоха, а постановка Горского стала прототипом почти всех балетных «Дон Кихотов» мира. Для премьеры в Урал Балете было решено максимально очистить балет Горского от советских наслоений и вернуть ему изначальный облик, используя эскизы Головина и Коровина. Это не реконструкция спектакля 1900 года, — но попытка воссоздать его образ во всех красках.

«Пассажирке» была уготована непростая сценическая судьба. За ее постановку в Советском Союзе безуспешно бился Дмитрий Шостакович. Концертное исполнение оперы в России состоялось лишь в 2006 году. Спустя десятилетие в Екатеринбурге «Пассажирка» впервые вышла на российскую театральную сцену. 1950-е палуба трансатлантического лайнера. Немка Лиза вместе с мужем, дипломатом Вальтером, отплывает в Бразилию. На палубе она замечает пассажирку, похожую на Марту: эта встреча заставляет Лизу вспомнить, как она, будучи надзирателем Освенцима, отправила Марту на верную гибель. Спектакль в Урал Опере сдержан по театральному языку: постановщики деликатно приглашает зрителя к важному разговору — о гуманизме, исторической памяти и ответственности человека за свои поступки. Композитор Мечислав Вайнберг (1919–1996) широкой публике известен по музыке к «Каникулам Бонифация», «Винни Пуху» и фильму «Летят журавли», но в первую очередь он автор семи опер, 22 симфоний и множества инструментальных сочинений. В «Пассажирке» он причудливо смешивает стили и жанры — плоды «высокой» музыки ХХ века, джаз, фольклор. Опера отчасти напоминает о театральной и киномузыке Шостаковича, которого Вайнберг называл своим учителем, — но и решительно на нее не похожа. Несмотря, на масштаб темы, Вайнберг находит для повествования интимную интонацию: он адресует оперу всему человечеству и обращается персонально к каждому слушателю — справедливо полагая, что поднятые в «Пассажирке» вопросы касаются каждого из нас. Исполняется на русском языке с титрами на русском и английском языках

Премьера «Травиаты» в 1853 году ознаменовалась скандалом: героиня — дама полусвета, место и время действия — не далекая страна в легендарную эпоху, а современный композитору Париж. В опере XIX столетия так не могло быть. Публика восприняла оперу как пощечину обществу; для второй постановки Верди был вынужден изменить координаты действия и переодеть героев в исторические платья. Спустя полтора века оперный театр едва можно представить без «Травиаты». Сюжет оперы заимствован из романа и пьесы Александра Дюма-сына. Прототипом героини стала Мари Дюплесси, знаменитая парижская куртизанка: недолгое время она была любовницей писателя и умерла от туберкулеза в 23 года. В Париже под впечатлением от увиденной пьесы Верди и задумал «Травиату», которую поначалу хотел назвать «Любовь и смерть». В екатеринбургском спектакле режиссер Алексей Степанюк развернул действие в условных бальных залах и гостиных, не злоупотребляя страстью к бытовым деталями, но подчеркивая вневременную эмоциональную природу музыки — в расчете на то, что происходящее не будет выглядеть лишь частным происшествием прошлого, но станет по-человечески задевать тех, кто находится в зале. Исполняется на итальянском языке с русскими субтитрами Продолжительность: 2 часа 45 минут, с двумя антрактами

Сильфида в Екатеринбурге! Действие происходит в Шотландии Джеймс, жених юной Эффи, дремлет у камина. Появляется Сильфида. Она порхает вокруг Джеймса и будит его поцелуем. Джеймс хочет поймать Сильфиду, но та исчезает. Юноша полон мыслей о явившемся ему фантастическом существе. Колдунья Мэдж, пришедшая предсказать их будущее, пророчествует, что Джеймс не женится на Эффи. Джеймс прогоняет колдунью. Она уходит, затаив обиду. Во время свадебного празднества вновь появляется Сильфида, но ее видит только Джеймс. Сильфида похищает его обручальное кольцо и скрывается. Джеймс убегает вслед за ней, покинув Эффи. Волшебный лес. Колдунья ворожит, склонившись над кипящим котлом. У нее в руках прозрачный шарф. Появляется смертельно усталый Джеймс: он никак не может найти Сильфиду. И вдруг она вновь появляется перед ним. Джеймс пытается поймать ее, но Сильфида недосягаема. Колдунья предлагает Джеймсу волшебный шарф, с помощью которого он сможет пленить неуловимую Сильфиду. Джеймс набрасывает шарф на плечи Сильфиды, но это прикосновение гибельно для нее. Крылышки опадают, и вместе с ними уходит жизнь. Подруги уносят умершую Сильфиду. Джеймс безутешно оплакивает ее, а вдали проходит свадебное шествие: его невеста Эффи вышла замуж за Гюрна…

Граф Ори, известный на всю Францию донжуан, ищет объятий прекрасной графини де Формутье, которая в отсутствие брата-крестоносца дала обет невинности — и для этого представляется то народным целителем, то монахиней. Джоаккино Россини разыграл этот сюжет с итальянским темпераментом, юмором и композиторской изощренностью. Его российские коллеги-постановщики сочинили необычайно легкий, стильный и пластически изысканный спектакль, созвучный стилю бельканто — стилю «прекрасного пения», в котором опера в 1828 году была написана. Присутствие Россини в оперных афишах обычно ограничивают «Севильским цирюльником», и екатеринбургская постановка доказала, что это несправедливо. По сей день «Графа Ори» — одну из лучших опер не только у Россини, но вообще в комическом оперном репертуаре — среди российских театров можно увидеть только в Урал Опере. Исполняется на французском языке с титрами на русском языке

Балеты на музыку, не предназначавшуюся для сцены от четырех хореографов: Максим Петров — танцовщик и хореограф Мариинского театра, лауреат «Золотой маски» 2021 года, Андрей Кайдановский живет в Австрии, в последние годы он выпустил несколько громких премьер в Москве, Максим Севагин — солист и хореограф МАМТ, Руководитель Урал Балета Вячеслав Самодуров в представлении не нуждается. Музыкальный руководитель постановки — Алексей Гориболь, пианист и продюсер, постоянный исполнитель музыки Десятникова. Екатеринбуржцам он известен в качестве автора цикла «Послушайте» в Ельцин Центре. В спектакле принимает участие хор Урал Оперы.

Вячеслав Самодуров, автор либретто и постановщик: Для меня «Снежная королева» не сводится к истории мальчика, которого злая фея унесла на Северный полюс. Наш балет — о том, как легко потерять контакт с близкими людьми, даже оставаясь рядом с ними. Это спектакль-путешествие: в поисках себя героиня должна отправиться в долгий путь, проявить мужество и пройти испытание тьмой и холодом. Нельзя сказать, куда именно идет герда: царство Снежной королевы — не конкретная точка на карте, оно внутри человека. Мы приготовили красочный детский спектакль, и он будет интересен зрителям всех возрастов: хорошее детское произведение всегда многослойно. Как я для себя определил, это сказка для детей — и взрослых, которые испытывают недостаток внимания. Возможно, кто-то из них сам однажды побывал в чертогах Снежной королевы.

К 200-летию со дня рождения композитора Рихарда Вагнера К открытию нового театрального сезона Екатеринбургский театр оперы и балета подготовил великолепный подарок для своих поклонников – постановку оперы «Летучий голландец» Рихарда Вагнера. Произведения немецкого композитора на сцене театра последний раз были показаны в 1937 году, а «Летучий голландец» в репертуар Екатеринбургской Оперы вошел впервые. Столь знаковую постановку, посвященную 200-летию Вагнера, осуществили маэстро Михаэль Гюттлер (Германия), режиссер Пол Каррен и художник Гэри Макканн (Великобритания), а также главный приглашенный хормейстер Эльвира Гайфуллина. Световую партитуру спектакля создал Евгений Виноградов. «Летучий голландец» стал первым в списке реформаторских сочинений композитора. Об этом говорит наличие лейтмотивной системы, стремление к созданию больших драматических сцен. Опера после премьеры, которая состоялась 2 января 1843 года в Дрездене под управлением Вагнера, была признана не сразу, однако постепенно завоевала прочный успех во всем мире. Дирижер-постановщик – Михаэль Гюттлер Режиссер-постановщик – Пол Каррен Художник-постановщик – Гэри Макканн Хормейстер-постановщик – заслуженный деятель искусств России и Башкортостана, народная артистка Башкортостана Эльвира Гайфуллина Продолжительность: 2 часа 40 минут с одним антрактом Исполняется на немецком языке и сопровождается синхронными титрами на русском языке

Каждый, даже если не знаком с «Князем Игорем», хоть раз слышал хор «Улетай на крыльях ветра» или арию «О дайте, дайте мне свободу»: опера по мотивам «Слова о полку Игореве» после премьеры в 1890 году распалась на отдельные маленькие шедевры. Собрать их воедино всегда представляет трудность: Александр Бородин, большую часть времени уделявший занятиям химией, писал оперу 18 лет с перерывами, да так и не успел закончить — и до сих пор нет однозначного ответа, в каком порядке должны исполняться номера и картины оперы. Дирижер-постановщик Александр Лазарев настоял, чтобы екатеринбургский спектакль завершался «Половецкими плясками». Именитый маэстро видит в этом следование логике действия и логике Бородина: знаменитая танцевальная сцена перестает быть лишь красочным дивертисментом, становясь драматической кульминацией спектакля — демонстрацией силы половцев перед русским княжичем, который только что справил свадьбу с ханской дочерью. Соавторы Лазарева, постановщики из Петербурга, создавали спектакль, следуя традиции «большого стиля» — с подробно разработанными массовыми мизансценами, классическими живописными декорациями и детально исполненными историческими нарядами.